Exposición: r, de Nieves Torralba

29 10 2011


Del 26 de octubre de 2011 al 8 de enero de 2012

Centre Cultural La Nau
de la Universitat de València
Sala Oberta
Universitat, 2
46003 València
www.uv.es/cultura

r, título de esta exposición, se nos ofrece como una cifra, como signo (dicho sea sin olvidar -muy al contrario- su cualidad icónica) que introduce un juego semántico en la percepción del conjunto de obras que ahora se presenta. Se trata de un juego indeterminado, sugerido únicamente por ser esta letra la inicial de una serie de palabras que se van convocando (raíz, rama, rito, recuerdo, roturar…) y de cuyas múltiples connotaciones (pues tal es el ámbito de intervención de esta propuesta) la artista espera propiciar una recepción activa de lo expuesto por parte del espectador, confiando en las posibles asociaciones de toda índole (emotiva, intelectual…) que pudieran despertarse o activarse en su pensamiento. 

Hablando con la artista, me explicaba de qué modo  suele trabajar -en un primer momento- delante de las plantas (analizándolas, estudiándolas, interiorizándolas), para luego elaborar su propia versión de las mismas, como recomendara Henri Matisse proceder a sus alumnos ante los modelos. Una versión que no pretende ser copia, ni tampoco interpretación (expresiva, manierista), sino que busca establecerse como verdad plástica per se, autónomamente, sin necesidad de una validación referencial (analógica) concreta -en línea con la máxima propuesta por Paul Klee: “el arte no reproduce lo visible; hace visible”.

La simplificación de la morfología de las plantas, donde todo queda reducido a unos elementos primordiales, es el resultado de su voluntad de conseguir una síntesis formal elocuente, válida en sí misma -como hemos dicho ya-; bella por sus propiedades graficoplásticas y compacta en su definición. Los encuadres empleados (en los que los motivos ocupan una buena parte de la superficie, como si de monumentales fragmentos se tratara) son indicativos de la fijación e interés -antes comentados- con los que la artista se/nos aproxima a las flores, y contribuyen a potenciar esa sensación de rotundidad en sus dibujos; todo se ofrece a la vista con el mismo grado de nitidez y concreción, sin concesiones hacia lo fenoménico ni a efectismos de índole retórica. El modelado de los tallos es formulario y elemental, pero suficiente para sugerir esa corporeidad de la que la artista no quiere privar a su flora; a pesar de la innegable homogeneidad de su definición (fruto de una paciente labor donde la suma de líneas va urdiendo la escala el grises que sugieren el volumen), una contemplación detenida de este tratamiento nos permite advertir, sin embargo, el itinerario seguido por su mano a la hora de pensar (conceptualmente), recorrer (sensorialmente) y construir (gráficamente) las formas.

Sus dibujos parten siempre del supremo contraste entre el negro del grafito o la intensidad tonal que le proporciona la punta de plata  y el blanco del papel . El modelado, aun con variadas gradaciones debidas a la diferente presión e insistencia ejercida con aquellos utensilios y a las distintas calidades que cada uno de estos materiales le proporciona, es firme, casi me atrevería a decir duro, en la línea de aquella definición volumétrica que fuera característica de cierta figuración del tiempo de las vanguardias.

Junto al empleo de procedimientos tan tradicionales como la punta de plata o el grafito, Nieves Torralba se ha servido también de la tecnología digital para dibujar/imprimir sus trabajos, ampliando con ello el horizonte de sus posibilidades a diferentes niveles.

De igual manera, los dibujos que la artista ha realizado directamente sobre las paredes de la sala de exposiciones se benefician de la incorporación de esa tridimensionalidad como un elemento más de la obra; aspecto éste significativo, por cuanto añade de ilusión ambiental a su proyecto, convirtiendo el conjunto en una suerte de jardín envolvente que, a nivel dialéctico, establece un contexto muy idóneo para el caso. La convivencia de distintos planteamientos en torno a una misma temática permite que advirtamos el alcance de su propuesta desde una perspectiva ciertamente enriquecedora.


Víctor Zarza
Comisario




JORNADAS: HACER Y DEJAR HACER. POLÍTICAS CULTURALES Y MEDIACIÓN PÚBLICA EN LAS ARTES VISUALES.

28 10 2011

http://jornadesartcontemporani.blogspot.com

III Jornadas de Investigación
3 y 4 de noviembre de 2011.
Universitat de València.

Coordinadores: Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont.

El valor de los productos culturales está vinculado, no solo a factores estéticos, sino también a cuestiones de interés público. Aún en el contexto de la crisis económica actual, el crecimiento del sector de las industrias culturales ha generado más puestos de trabajo que otros sectores productivos, siendo además un instrumento clave para fomentar el conocimiento y la formación entre la ciudadanía. Y las artes visuales, como uno de los componentes sustanciales de aquel sector cultural, está inmerso en las dinámicas de gestión que se desarrollan desde la administración pública, es decir, es objeto de la aplicación de una política cultural. Cuáles deberían ser los ejes de esas políticas, y cómo deberían ponerse en práctica, son los interrogantes que se pretenden plantear a través de la realización de estas III Jornadas de Investigación.

Se trata de aportar respuestas sobre la necesidad de valorar las audiencias, el aumento de los equipamientos, los criterios de adjudicación de las inversiones, la progresiva aplicación de las nuevas tecnologías en la gestión de la difusión o divulgación de las artes visuales, pero también se  cuestiona el abandono de las administraciones respecto de la formación de públicos culturales a través de la educación, o la relación mercado/Estado como paradigma modificable en el ámbito de la creatividad cultural y en un mundo globalizado, en donde la creación de riqueza, bienestar y cultura está dependiendo cada vez más de la adecuada implementación de políticas culturales.

Así, lógico es considerar que las instituciones deberían diseñar estas políticas preguntándose sobre lo que interesa a ese espacio de creatividad conformado por la cultura, incidiendo, de esta manera, en dar respuesta y solución a las distintas prioridades relacionadas con una renovación de la legislación, la profesionalización de la gestión cultural, o los mecanismos de participación de los creadores y receptores, a través de asociaciones, organizaciones de artistas o de consumidores culturales. El análisis y desarrollo de estos objetivos, entre los cuales cabe citar el apoyo a la producción artística, a la creación y a la innovación, la ampliación del acceso y la participación en la cultura, o la protección del pluralismo y la libertad de expresión, será el eje alrededor del cual girarán las ponencias y consiguientes debates.


Programa científico
DIA 3 DE NOVIEMBRE 2011
9.30 h.
Presentación III Jornadas
Antonio Ariño. Vicerrector de Cultura de la Universitat de València

Román de la Calle
. Director de l’Institut de Creativitat i Innovacions Educatives de la Universitat de València
Joan B. Peiró . Director de Comunicación Institucional de la Universitat Politécnica de València
María Irene Beneyto. Concejala de Cultura del Ayuntamiento de Valencia

Presentación del libro: La imagen mundializada ¿una iconicidad global?

10 h. Mío, tuyo, nuestro, vuestro
Rosa Olivares. Directora de la revista EXIT, Imagen & Cultura. Editora, escritora, periodista y crítica de arte.

11 h. Pausa-café

11.30 h. La realidad y el deseo.
Isabel Tejeda. Profesora de la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Murcia y comisaria independiente.

12.30 h. Mesa redonda: Estrategia para las Artes Visuales
Begoña Torres . Subdirectora General de Promoción de las Bellas Artes, Ministerio de Cultura, Gobierno de España.
Yolanda Romero y Daniel García Andújar
, miembros del grupo de trabajo redactor de la Estrategia para las Artes Visuales impulsada por el Ministerio de Cultura.
Modera: José Luis Pérez Pont
. Presidente de la Associació Valenciana de Crítics d’Art y del Consejo de Críticos y Comisarios de Artes Visuales de España.


17 h.
El pensamiento arquitectónico de Alfredo Payá en el Museo de la Universidad de Alicante
Fernando Aranda. Profesor de Arquitectura de la Universidad Politécnica de Valencia y ex vicerrector de Cultura.

19 h.
Del ‘arts council’ al CoNCA
Xavier Bru de Sala. Escritor, articulista y poeta. Ex director General de Promoció Cultural de la Generalitat de Catalunya y ex president del Primer Consell Nacional de la Cultura i de les Arts.


DIA 4 DE NOVIEMBRE 2011
10 h.
Políticas culturales para un sistema de las artes visuales
Pilar Parcerisas. Crítica e historiadora del arte, ensayista y comisaria de exposiciones. Vicepresidenta primera del Consell Nacional de la Cultura i de les Arts (CoNCA), Generalitat de Catalunya.

11.30 h. Pausa-café

12 h. Mesa redonda: Las artes visuales en la política valenciana
Josep Maria Pañella. Diputado en las Cortes Valencianas (Coalició Compromís)
Lluís Torró. Diputado en las Cortes Valencianas (EUPV).
Juan Soto. Diputado en las Cortes Valencianas (PSPV-PSOE)
Mª José Catalá Verdet. Alcaldesa de Torrent y Diputada de las Cortes Valencianas (PP)
Modera: Ricard Silvestre. Vicepresidente de la Associació Valenciana de Crítics d’Art y miembro del Institut de Creativitat i Innovacions Educatives.


17 h. Factorías culturales y su potencial en la escena artística actual
Rosina Gómez-Baeza. Comisaria de exposiciones, ex directora del Centro de Arte y Creación Industrial LABoral de Gijón, ex. directora de ARCO y ex directora de la I Bienal de Canarias: Arquitectura, arte y paisaje.

19 h. Políticas y mediaciones para la igualdad entre los géneros en artes visuales
Rocío de la Villa. Profesora de Estética y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid y crítica de arte.

20.30 h. Clausura.
Ana de Miguel. Directora de la Sala Parpalló.
Carmen Senabre / Ricard Silvestre / José Luis Pérez Pont. Coordinadores de las Jornadas.


INFORMACIÓN GENERAL:
Reconocido como 2 créditos de libre opción.

MATRÍCULA:
Unitat de Suport als Instituts de Blasco Ibáñez.
Avda. Blasco Ibáñez, 32 (1ª planta). Facultad de Filología.
Se facilitará información a través del correo electrónico:
m.teresa.lopez@uv.es y del teléfono: 96 386 40 31.
Para aquellos alumnos de la Universitat de València que soliciten la convalidación de créditos, el importe de la matrícula es de 40 € a ingresar en la cuenta: Banco Santander – Urb. Univ. Valencia-Campus Blasco Ibáñez.

CC.: 0049 6721 67 2910015359

El plazo de matrícula finaliza el 2 de noviembre.

Las personas interesadas que no deseen  créditos, podrán inscribirse gratuitamente facilitando nombre, apellidos y DNI a través del siguiente correo electrónico hasta completar el aforo:

m.teresa.lopez@uv.es

Dirigido a:
Estudiantes de Historia del Arte, Bellas Artes, Humanidades, Comunicación Audiovisual, Ciencias de la Información, así como artistas, críticos de arte, comisarios, directores de museos y centros de arte, gestores culturales, periodistas y público en general.
Certificado de asistencia.


LUGAR DE CELEBRACIÓN:

Salón de Actos “Manuel Sanchis Guarner” de la  Facultat de Filología
Avda. Blasco Ibáñez, 32
46010 Valencia

http://jornadesartcontemporani.blogspot.com




Llibres lliures: 31 d’octubre, catàlegs d’art.

27 10 2011

La Biblioteca de la Facultat de Belles Arts torna a posar a l’abast dels usuaris exemplars alliberats, els quals la Biblioteca no pot fer-se càrrec per diversos motius: manca d’espai, donacions, baixes, duplicats, material no adient, etc.

En aquesta ocasió alliberarem  llibres d´art, serà el dilluns 31 d’octubre a les 14’30 h.

Els títols  oferits  són:

Synergies Espagne.

Toponímia del Poble Nou de Benitatxell.

Guía de alojamiento rural.

Cocina rápida.

Cocina con firma. Ferrán Adriá.

Todo para la casa.

Patrimonio Etnológico. Nuevas perspectivas de estudio.

Vivir Valencia.

Influencia socioeconómica de la presencia  y actividades del Campus de Alcoy.

Y tú…, ¿innovas o abdicas?

Enciclopedia universal Larousse. Volumen 1  A-Ale.

Valencia cultura viva.




A destiempo: Fotografías de Rafael Navarro

25 10 2011

10/2011 – 12/2011. Sala 365
Museo de la Universidad de Alicante. MUA
03690 San Vicente del Raspeig [Alicante]
+34 965 90 94 66
mua@ua.es
www.mua.ua.es  

Inauguración: jueves 20 de octubre, a las 19:00 h.


A destiempo , Rafael Navarro

La palabra en griego clásico que denomina arte es τέχνη (tecne), además de este concepto servía para designar ciencia, saber; oficio; habilidad, destreza. De este vocablo deriva la palabra castellana tecnología y técnica.

El concepto aristotélico de arte es el de imitación a la naturaleza, el hombre mediante objetos creados por él imita la naturaleza, estos objetos son lo que llamamos imágenes. En uno de sus diálogos, en La República, Platón nos plantea a través de una discusión ficticia entre Glaucón y Sócrates la posibilidad que tiene el arte de reproducir todas las cosas de la naturaleza. El primero contestando a una pregunta de Sócrates dice que no existe un artesano capaz de reproducir todas las cosas, a lo que Sócrates le replica que sí existe una persona capaz de representar todas las cosas, el mismo Glaucón puede hacerlo, sólo ha de tomar un espejo y moverlo por todos los lugares, en el espejo se producirán las imágenes de todas las cosas. Louis Daguerre en 1839 presenta el procedimiento por el que esas imágenes que Glaucón toma en la superficie bruñida quedan fijadas en un soporte material y perduran en el tiempo.

La obra de Rafael Navarro tiene una conexión indudable con el concepto clásico de arte, sus fotografías atrapan los objetos que forman la naturaleza, el mundo, los procesos vitales, las ausencias y presencias, los cuerpos o sus rostros. Lo que diferencia a cada artista es el lugar donde sitúa el espejo para capturar y fijar sus imágenes en un soporte perdurable; lo que constituye el trabajo del artista es elegir con que fragmento de su universo nos explica una idea, una historia o un sentimiento.

La serie A destiempo de Rafael Navarro es la primera en la que utiliza fotografía a color. Las imágenes en blanco y negro carecen de una información esencial: los colores de la luz, son imágenes que cada espectador asume como reales aún faltándoles una de sus características fundamentales. Pero esa carencia es un potencial de relación con el público, cada persona de su conocimiento aporta, o completa, coloreando en su imaginación la escena, lo que implica una participación intelectual en la percepción. Es por lo que las imágenes en blanco y negro tienen un atractivo sentimental añadido.

El manejo de el lenguaje de las imágenes en blanco y negro es sustituido en esta ocasión por la composición de las escenas, por la elección de la iluminación, por el recorte de un instante del tiempo. La conexión intelectual y sentimental de las fotografías que constituyen esta muestra se han configurado a base de la experimentación del autor, y suponen un aprendizaje; aprender a hablar de nuevo en un artista que ya había llegado a una excelencia en el lenguaje de las imágenes.

Las fotografías de Rafael Navarro se construyen con τέχνη (tecne), esto es: arte, técnica, ciencia, saber, oficio, habilidad y destreza.

Aramis López Juan
Octubre 2011




CABANYAL INTIM

21 10 2011
Primer Festival de Teatro Intimo de la ciudad de Valencia.
Tendrá lugar los días 21, 22 y 23 de octubre de 2011 en casas del barrio del Cabanyal.
ASSOCIACIÓ DE VEÏNS I VEÏNES CABANYAL-CANYAMELAR
C/ XULILLA, N º 14 – 46011 – VALENCIA
tel 609631615
avvcc@telefonica.net
http://avvcc.wordpress.com

 




Llibres lliures: 24 d’octubre, catàlegs d’art.

20 10 2011

La Biblioteca de la Facultat de Belles Arts torna a posar a l’abast dels usuaris exemplars alliberats, els quals la Biblioteca no pot fer-se càrrec per diversos motius: manca d’espai, donacions, baixes, duplicats, material no adient, etc.

En aquesta ocasió alliberarem  llibres d´art, bàsicament catàlegs  i serà el dilluns 24 d’octubre a les 14’30 h.

Els títols  oferits  són:

Territori Lleida :Centre d’Art La Panera.

Fernando Cordón.

Andreu Alfaro : encuentros entre el dibujo y la escultura.

Felicia Puerta : pinturas : abril 1999.

Cautivos de las sombras : el cine fantástico europeo.

Marcelo Fuentes : Circuit d’art contemporani, any 2000.

Albert Ràfols-Casamada : [Exposició] Museu d’Art Contemporani de Barcelona.

Soledad Sevilla : l’espai i el recinte = el espacio y el recinto.

Manuel Boix, Artur Heras, Rafael Armengol.

Yturralde : [Exposición] IVAM Centre Julio González.

Ciriaco escultor.

Perifèries 2007 : territori GPS versus lloc sense ruta.

La transparencia del origen = La transparència de l’origen.

LLIBRES LLIURES OCTUBRE  2011:

33ª ed.: 31 d’octubre, 14’30 h.: Miscel·lànea.




INICIACIÓN AL VÍDEO DIGITAL: Curso práctico de realización de cortometrajes

19 10 2011

 

INICIACIÓN AL VÍDEO DIGITAL 
Curso práctico de realización de cortometrajes.

DESCRIPCIÓN
El curso INICIACIÓN AL VÍDEO DIGITAL tiene como objetivo formar a los alumnos en las técnicas digitales y conocimientos necesarios para crear y editar audiovisuales. No se requieren conocimientos previos y está dirigido a todas las personas que deseen iniciarse en el vídeo digital.

PROFESORES
Cristian Font y Pascual Ibáñez.

CONTENIDOS
EL SISTEMA DE VÍDEO DIGITAL.
EDICIÓN NO LINEAL. Adobe Premiere.
MONTAJE. Principales procedimientos del lenguaje cinematográfico.
EL SONIDO EN VÍDEO DIGITAL.
GRABACIÓN DE VÍDEO.
EFECTOS DIGITALES.
FORMATOS HD/DV/DVD/CD/Internet.

ESTRUCTURA
Teoría, 5 horas. Práctica, 30 horas. Conclusiones, 5 horas.

METODOLOGÍA
Se grabará un cortometraje de 3 minutos y se formarán grupos de 2-3 alumnos para realizar la postproducción. Montaje, sonorización, títulos, efectos, retoque de color y acabado en formato HD, DV, DVD, DivX y vídeo para Internet.

FECHA, HORARIO Y DURACIÓN
Del 7 al 17 de noviembre de 2011.

De lunes a jueves de 16:00  a  21:00.

40 horas.

AULA
UPV. Centro de Formación Permanente. Edificio Nexus. Aula 2.5
CRÉDITOS
Créditos de libre elección: 2

Créditos ECTS: 1,6

INFORMACIÓN GENERAL
Número de alumnos: máximo 24, mínimo 16.

Precio por alumno: UPV 150. Otros 180.

Información e inscripción: CFP. Edificio Nexus / TEL. 963877751 / cfp@cfp.upv.es / www.cfp.upv.es

+ INFORMACIÓN

www.phormiga.com/curso/




GALERÍAS DE ARTE DE CATALUNYA

18 10 2011

ARTICULA, www.articula.cat , es el espacio virtual dónde más de un centenar de galerías exhiben sus propuestas de arte más innovadoras.

Este espacio impulsado por el Gremi de Galeries d’Art de Catalunya (Gremio de Galerías de Arte de Cataluña), ha sido mejorado para satisfacer, aún más, vuestras inquietudes y acercaros, más eficazmente, las propuestas de nuestros galeristas.

El objetivo principal es llevar el arte a las casas, creando vínculos entre las galerías y los espectadores sin ser necesario visitar la galería propiamente.

Se rompe así con la distancia que cierto público potencial mantiene respecto al mundo del arte.

Os invitamos a entrar en www.articula.cat y  esperamos que disfrutéis de las visitas de todas y cada una de nuestras galerías.

articula



Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho

17 10 2011

Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho
ACVic Centre d’Arts Contemporànies
Del 15.11.2011 al 15.01.2012
Inauguración: sábado 15 de octubre a las 19:30 horas

Esto es un museo. Artefactos móviles al acecho es una exposición comisariada por Martí Peran y producida por ACVic Centre d’Arts Contemporànies en colaboración con AC/E Acción Cultural Española. Se inscribe en el marco del proyecto Ceci n’est pas une voiture, impulsado de manera conjunta por ACVic, Can Xalant e IDENSITAT . Cuenta con diversas fases de desarrollo en las que colaboran o han colaborado Universitat de Barcelona, Museo Centro de Arte Reina Sofía, Roulotte (ACM Associació per a la Cultura i l’Art Contemporani), Trànsit y Cercle Artístic Sant Lluc.

La exposición se plantea según Martí Peran “como un ejercicio de documentación y reflexión sobre la construcción de artefactos móviles en calidad de elementos para una concepción expandida del museo, o en algunos casos, como una alternativa al mismo”.  En ella se presenta una primera selección de más de 50 casos de estudio procedentes de diversas ciudades y países. Planteada como un archivo informativo, la exposición exhibe también algunos de los artefactos originales así como distintas producciones realizadas a partir de su labor callejera. La exposición tiene prevista una itinerancia durante la cual podrán añadirse nuevos casos en relación con los contextos específicos donde se exhiba.

El su conjunto el proyecto Ceci n’est pas une voiture se ha articulado mediante una sucesión de fases que se vehiculan temporalmente y que llevan a cabo en diversos espacios. Esta exposición es una de ellas y la precede una fase de residencia y producción de proyectos, que se ha realizado en Vic y Mataró con el objetivo de impulsar nuevos proyectos incorporando unos artefactos móviles preexistentes, el Dispositivo Itinerante de Idensitat y el CX-R de Can Xalant. Los proyectos Servicio Público de Optimización de Trastos (S.P.O.T.) del colectivo Makea y Càmping, Caravaning, Arquitecturing de Miquel Ollé y Sofia Mataix, que se han realizado a través de esta residencia en ACVic y Can Xalant, se presentan conjuntamente con los proyectos de Pablo Rojas Schwartz – Domènec – Colectivo Cambalache – Adriana García Galán – Cristian Añó y David Armengol – Lluc Mayol, Matias Rossi y Ricardo Duque – Núria Güell – Toni Tomàs y Carles Porta – Rallyconurbano – Cinéma Numérique Ambulant (CNA) – Amor Muñoz – Diego Pérez – Straddle3 y Todo por la Praxis – La Fundició – Pablo Helguera – Colectivo Descarrilados – Ivan Puig y Andrés Padilla – Anna Recasens – Public Works – Iñaqui Larrimbe – Felix Mathias Ott – Sabrina Artel – Raumlabor – Vitor Cesar – Ana Dumas – Public Works – Raimond Chaves – Antimuseo – Marksearch – A77 – Colectivo Kabaret Machine – Josep M. Martin – Theo Craveiro – Fabiana de Barros – Virginia de Medeiros – Floating Lab Collective – Nuria Montiel – Platoniq – Soundlab

La exposición adquiere una puesta en escena caracterizada por una acumulación, selección y ordenación de iniciativas y estrategias que se despliegan y transitan por el espacio urbano. Algunas se camuflan, otras luchan por su visibilidad, unas desarrollan acciones paralelas, otras son parte de ellas al erigirse como formalizadoras de procesos, unas construyen espacios, otras lo parasitan, unas imitan artefactos auto-construidos ya existentes, otras plantean ingeniosos aparatos innovadores. La mayoría buscan la interacción directa, el deambular por el espacio público eminentemente urbano, y en su conjunto se desprende la suposición de una búsqueda por encontrar una alternativa a las vías más institucionalizadas del arte o, como plantea Martí Peran, “una subversión de la lógica del museo”. El ubicarse fuera de, aunque acechando el museo esboza múltiples interrogantes. La pluralidad de formatos, situaciones, lugares y tiempos contribuyen en algunos casos a apuntar posibles respuestas, mientras que en otros exprimen esta larga agonía planteada desde el recurrente tema de la muerte del arte.

El territorio, lo social y también lo educativo están presentes en la mayoría de casos de estudio que se presentan en la exposición, pero lo están también en el desarrollo generado por este complejo proyecto bajo el título Ceci n’est pas une voiture. ACVic se siente cómodo en estos procesos expandidos, dilatados en el tiempo, extendidos por distintos lugares y relacionados entre sí mediante múltiples negociaciones con diversos agentes involucrados, ya sean individuos, instituciones o colectivos autogestionados. Nos interesa el arte, la educación y el territorio estableciendo entre y mediante ellos redes, pero generando estructuras de carácter rizomático, en la que algunos nodos aspiran y logran la independencia de otros. Algunos forman parte de la red mediante escasos puntos de conexión, pero de los vínculos que no se desprenden son del componente educativo planteado como práctica estética y política vinculada a un contexto territorial.

Ramon Parramon

Artefactos móviles al acecho
La necesidad de un análisis crítico sobre los roles y las funciones del Museo ha sido abordada desde múltiples perspectivas. La denominada Crítica Institucional desarrolló esta labor, en primer lugar, mediante una generación de artistas que pusieron en cuestión los procesos de legitimación estética ejercidos por la propia institución; la segunda generación de la Crítica Institucional, a partir de la década de los noventa, se caracterizó por incorporar el análisis crítico en el interior de la propia estructura institucional, cual introspección que garantizara la capacidad de expansión de un museo invulnerable. En esta tesitura, se impone el imperativo de crear herramientas para una suerte de Crítica Institucional de tercera generación, capaz de examinar al museo desde la exterioridad y con la función de rehabilitar la capacidad de la experiencia estética como fundamento de una subjetividad en libertad y de una esfera pública plural. La creación de dispositivos para-museísticos, de carácter móvil, ha de interpretarse desde esta precisa necesidad y, en consecuencia, como una posible herramienta para esa Crítica Institucional de tercera generación.

La posibilidad de subvertir la lógica del museo mediante la construcción de artefactos móviles tiene ya una larga tradición. Desde la célebre maleta de Marcel Duchamp (Boite-en-valise, 1941) las iniciativas para trasladar el ámbito de la experiencia estética más allá de los límites del museo se han multiplicado. Pero esta misma tradición de un “arte ambulante” también ha sido objeto de una reciente cooptación por parte del Museo convencional. En efecto, en la última década hemos asistido a una proliferación de tentativas por multiplicar el perímetro del Museo tradicional mediante estructuras portátiles (los pabellones temporales de la SerpentineGallery desde 2000, el proyecto para el Temporary Guggenheim Tokyo en 2001 o, más elocuente si cabe, el reciente ChanelContemporary Art Container planeado por ZahaHadid en 2008).

Frente a este fenómeno invasivo, Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho pretende catalogar y reflexionar sobre esas otras iniciativas que, circulando por el espacio público, colisionan con esas prótesis museísticas convencionales, en la medida que, en lugar de extender los metros lineales de los muros del museo, reformulan las funciones del dispositivo expositivo como plataforma nómada para la participación directa y autogestionada, para el desarrollo de la investigación social y para la articulación de experiencias educativas. En otras palabras, si los pabellones temporales del museo convencional pretenden ampliar sus tiempos y espacios de aparición con el objeto de fortalecer la propagación de sus modelos narrativos, los artefactos móviles que acechan al museo serán aquellos que, transitando por el mismo paisaje social, ensayan maneras de entender la célula expositiva como un lugar de recepción y construcción de las narrativas plurales y críticas frente al modelo hegemónico.

Martí Peran

El proyecto Ceci n’est pas une voiture se concibe como un proceso de trabajo que combina la investigación, formación, difusión y evaluación. Con este objetivo, se ha distinguen distintas fases del proyecto que se han desarrollado desde julio del 2010 hasta enero del 2012.

FASES DEL PROYECTO CECI N’EST PAS UNE VOITURE

Fase 1. Consulta. Museos portátiles.
Universidad de Barcelona, Can Xalant

Mayo – Julio 2010
El grupo de estudiantes de la materia “Políticas del arte contemporáneo: nuevos mecanismos de producción y gestión” del Máster en Estudios Avanzados de Historia del Arte (UB), desarrolló un primero estado de la cuestión presentado al modo de Consulta en Can Xalant. [http://canxalant.org/]

Fase 2. Residencia y producción de proyectos. iD Mataró-Vic.
Can Xalant , ACVic, IDENSITAT
Junio – Septiembre 2011
Producción de dos proyectos seleccionados a partir de una convocatoria pública para realizarse como proyectos en residencia en ACVic y Can Xalant y utilizar  los dispositivos itinerantes de IDENSITAT y CX-R de Can Xalant. [ http://idensitat.net/ ]

Fase 3. Taller. Espacios, tránsitos y dispositivos móviles.
IDENSITAT – Cercle Artístic de Sant Lluc
11.10.2011 – 14.10.2011
Taller dirigido por el colectivo berlinés Raumlabor y organizado por Idensitat en el Cercle Artístic de Sant Lluc. Espacios, tránsitos y dispositivos móviles plantea un trabajo basado en un taller intensivo basado en el diseño de estructuras móviles que, en su conjunto, articularán un museo móvil. Serán prototipos en los que cada estructura tendrá su propia función independiente, pero en combinación y relación la una con la otra  crearán un nuevo tipo de museo y de posibilidades, para una redefinición temporal del espacio público.  [ http://idensitat.net/ ]

Fase 4. Exposición. Esto no es un museo. Artefactos móviles al acecho.
ACVic Centre d’Arts Contemporànies
15.10.2011 – 15.01.2012
La exposición reúne más de cincuenta casos de estudio procedentes de distintas partes de mundo. Planteada como un archivo informativo, la exposición exhibe también algunos de los artefactos originales así como distintas producciones realizadas gracias a su labor callejera. La exposición tiene prevista una itinerancia durante la cual podrán añadirse nuevos casos en relación con los contextos específicos donde se exhiba. [http://acvic.org/]

Fase 5. Jornadas de debate. Artefactos de acción directa
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía
30.11.2011 – 01.12.2011
Las jornadas se organizan mediante tres mesas de trabajo acordes con los ámbitos de reflexión abiertos desde el departamento de Programas Públicos del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Pedagogías radicales; Otras Institucionalidades y Movilidad y Espacio social. Cuentan con la participación de  Antonio Collados, Javier Rodrigo, Aída Sánchez de Serdio, Ramon Parramon,  Joaquín Barriendos, Yaiza Hernández, Jesús Carrillo, Martí Peran, Matthias Rick, Tomás Ruiz-Rivas, Pep Dardanyà [ http://www.museoreinasofia.es/ ]

Fase 6. Publicación número especial de Roulotte.
La publicación contemplará los materiales de exposición, los talleres realizados durante el proceso así como las intervenciones presentadas durante las jornadas. [ http://roulottemagazine.com/ ]




XIV edició Art públic / Universitat pública

16 10 2011

Art públic/Universitat pública es una muestra de arte público para jóvenes creadores. Esta decimocuarta edición presenta las intervenciones de los artistas seleccionados, incorporando específicamente una línea de apoyo a la creación virtual e interpretando Internet como un espacio público en un contexto de interacción. La exposición, concebida como una manifestación altamente efímera, situada en el Campus dels Tarongers de la Universitat de València, transforma el espacio público en un lugar de relación entre las jóvenes propuestas artísticas, los universitarios y la sociedad que los envuelve.

Del 17 al 21 de octubre de 2011

Inauguración de la XIV edición del proyecto en el Campus dels Tarongers de la Universitat de València:
17 octubre 2011
11 horas: Conferencia “La inserción laboral de los jóvenes en el sistema del arte (desde la perspectiva de género)”, a cargo de Rocío de la Villa, profesora de Estética y Teoría del Arte de la Universidad Autónoma de Madrid, crítica de arte y presidenta de Mujeres en las Artes Visuales (MAV). Aula PB5 Magisterio (Campus dels Tarongers).
12.30 horas: Inauguración de Art públic / Universitat pública. (Ver programa y plano adjunto).



PARIS PHOTO 2011

15 10 2011

Del 10 al 13 de Noviembre de 2011 Paris Photo celebra su 15ª edición en la nave del Grand Palais, el telón de fondo más hermoso que París podría ofrecer a la fotografía.

Este año la feria está dedicada al siglo XIX, a la fotografía modernista y contemporánea. Para ello Paris Photo reunirá a 135 expositores (galerías y editores) de los cuales más del 65% son extranjeros con un total de 23 países y 57 participantes nuevos. El 15 aniversario de Paris Photo se convierte en un punto de encuentro indispensable para conocer todo tipo de novedades y hacer descubrimientos.

Lista de galerías y editoriales

LA FOTOGRAFÍA DE ÁFRICA COMO PROTAGONISTA

Este año la  fotografía africana  será la otra gran protagonista: desde Bamako a Ciudad del Cabo, la feria irá revelando la riqueza creativa de los fotógrafos de todo el continente.

Además de la presentación de los trabajos de los fotógrafos africanos pertenecientes a la Colección Walther , Paris Photo reunirá a  numerosos artistas del continente y a sus galerías, ya estén establecidos en África o en otros lugares.

La feria también rendirá homenaje al papel crucial que desempeñan los Encuentros de Bamako que, desde 1994, se celebran cada dos años. Además, en esta edición se podrá visitar una exposición especial titulada “La fotografía africana emergente”, una muestra que dará a conocer a los visitantes a la generación más nueva de fotógrafos africanos.

UNA PLATAFORMA PARA CONFERENCIAS
Otra novedad es la Plataforma Paris Photo Live, un punto de encuentro para eventos y un foro de discusión sobre temas de actualidad en la fotografía. Bajo la dirección de la crítica de arte, comisaria de exposiciones y eventos y consultora Chantal Pontbriand, el concepto que este año se desarrollará en la plataforma será el de  “Mutaciones”.

La Plataforma de Paris Photo 2011 también ofrecerá una serie de entrevistas con personalidades destacadas, así como mesas redondas y presentaciones relacionadas con la fotografía y los acontecimientos más punteros del sector del arte.

El programa estará disponible el 26 de Septiembre.

P ARÍS, CAPITAL MUNDIAL DE LA FOTOGRAFÍA EN NOVIEMBRE

Gracias a los vínculos establecidos desde hace 15 años con las instituciones parisinas, una vez más, Paris Photo ofrecerá a los coleccionistas y profesionales invitados una serie de visitas privadas a las mejores exposiciones de París: “Faigenbaum, Photographies, París proche et lointain (París, cercano y lejano)” en el “Vie romantique Museum”, «Lewis Hine» en la Fundación Henri Cartier-Bresson, «Diane Arbus» en el Jeu de Paume, «Martine Franck – Venus d’ailleurs (Desde otro lugar)» en la Maison Européenne de la Photographie, etc…

Pinche aquí para descargar el programa completo de “En París durante París Photo”.

VISIONADO DE PORTFOLIOS DURANTE PARIS PHOTO

 7, 8 y  9 de noviembre de 2011:  durante el transcurso de Paris Photo se celebrará la segunda edición de Lens Culture Foto Fest Paris 2011 que reunirá a 170 fotógrafos y 40 expertos internacionales en fotografía, proporciando durante 3 días enteros una multitud de encuentros productivos y estimulantes.

Información e inscripciones a partir de hoy en: http://www.fotofest-paris.com/




AYUDAS MAV A CREACIÓN E INVESTIGACIÓN

14 10 2011

Convocatoria MAV Ayudas a la creación y a la investigación

MAV (Asociación Mujeres en las Artes Visuales) ha abierto su convocatoria de 1 ayuda a la creación -se valorarán los últimos 5 años- y 1 Ayuda a la investigación sobre arte, género y feminismos. Estas ayudas están dirigidas a sus asociadas y serán concedidas por un jurado de profesionales de reconocido prestigio, externo a la asociación. La cuantía de cada Ayuda es de 3.000 euros. El plazo para presentar las solicitudes es hasta el 25 de octubre.

Más información en www.mav.org.es

MAV




Llibres lliures: 17 d’octubre, catàlegs d’art.

13 10 2011

La Biblioteca de la Facultat de Belles Arts torna a posar a l’abast dels usuaris exemplars alliberats, els quals la Biblioteca no pot fer-se càrrec per diversos motius: manca d’espai, donacions, baixes, duplicats, material no adient, etc.

En aquesta ocasió alliberarem  llibres d´art, bàsicament catàlegs  i serà el dilluns 10 d’octubre a les 9’30 h.

Els títols  oferits  són:

Juan Olivares, Jorge Peris, Adolfo Siurana, Nico Munuera : [Exposición].

El hígado de las estrellas : pinturas.

Manuel Sáez : [Exposición] IVAM, Centre del Carme.

Textos de un escultor . Enric Moret Astruells.

Egoileak 2009.

Alfons Roig 1903- 1987 : una vida dedicada a l’art.

Buit habitat.

Victoria Cano.  Museo Torres García, Montevideo.

In situ : espacios urbanos contemporáneos.

Papaver somniferum.

Premio Benjamino Matalon.

One way, one ticket : un ensayo sobre la muerte en la colección del IVAM.

Ciriaco escultor.

Perifèries 2007 : territori GPS versus lloc sense ruta.

La transparencia del origen = La transparència de l’origen.

Béatrice Helg.  Institut Valencià d’Art Modern.

LLIBRES LLIURES Octubre  2011:

32ª ed.: 24 d’octubre, 9’30 h.: Catàlegs d’art.

33ª ed.: 31 d’octubre, 14’30 h.: Miscel·lànea.




Festival de Publicaciones Artísticas

13 10 2011

Festival de Publicaciones Artísticas  Del 13 de octubre al 16 de octubre de 2011

Sala Rekalde, bilbao

Desde hoy, jueves, 4 días de exposiciones, talleres, conferencias y charlas, para mostrar las posibilidades artísticas de una publicación. Autores, editores, diseñadores, coleccionistas y distribuidores aportan sus enfoques particulares sobre el panorama actual.




ATSUKO TANAKA: EL ARTE DE CONECTAR

8 10 2011

Exposición

ATSUKO TANAKA
EL ARTE DE CONECTAR

7 de octubre – 31 de diciembre, 2011

Espai d’art contemporani de Castelló

Esta exposición es el resultado de años de esfuerzo de comisariado y entusiasmo compartido entre el Espai d’art contemporani de Castelló, Ikon Gallery de Birmingham, Museum of Contemporary Art Tokyo y la Japan Foundation. El reconocimiento más exhaustivo hasta la fecha de la obra de Atsuko Tanaka encuentra en este recorrido un equilibrio de todos los aspectos de su práctica artística, desde sus gestos más tempranos, que incluyen documentación de las performances de Gutai en los cincuenta, a pinturas realizadas poco antes de su muerte en 2005. Por lo tanto,  reúne casi un centenar de trabajos de veinticinco colecciones de todo el mundo.

Para el Espai d’art contemporani de Castelló esta exposición significa un ejercicio por recuperar la memoria de una de las artistas orientales más destacadas de los cincuenta y sesenta, tanto por sus aportaciones al análisis de la pintura como medio, como por su ruptura de fronteras y acercamiento a otros medios y, en definitiva, por la importancia e influencia que su obra tuvo tanto en artistas de su generación como en posteriores.

Las primeras obras en esta exposición hacen referencia a los trabajos más tempranos de la artista. Se podrán apreciar dos collages de papel de su serie Calendar, de 1954, que describen de forma mimética su periodo de hospitalización. Son obras en las que aparecen una serie de números repetidos de forma inconexa y sin sentido aparente. El significado es oscuro, pero se plasma la idea de contar, como puntadas. Se podría considerar un ejercicio de meditación de manera implícita.

La exposición también recoge dos de sus obras más conocidas Bell, 1955 y Electric Dress, 1956 así como tres dibujos basados en Bell llamados Untitled (Study for ‘Bell’), mucho más técnicos, donde se evidencia una vez más su radical relación entre espacio y audiencia y su sistema de circuitos eléctricos, lo que supuso el avance de su posterior obra Electric Dress. Junto a su escultura Electric Dress se mostrarán una docena de dibujos que realizó simultáneamente, titulados Electric Dress Drawing, que tienden a ser más libres estilísticamente y son los precursores de las pinturas que Tanaka haría a partir de los últimos años de la década de los cincuenta.

Se incluye además un recorrido de la artista por su etapa Gutai, desde 1957 a 1963. El tratamiento que reciben sus telas es elegante y ágil, pero de forma aleatoria; los elementos aparecen separados unos por otros por mucho espacio, típico de la pintura oriental, pero interrelacionados, a través de pequeñas conexiones. Sus últimos cuadros antes de abandonar el grupo Gutai nos dejan ver un universo totalmente dominado por formas circulares a las que hay que sumarle las líneas que recorren el cuadro a modo de un circuito eléctrico.

Para concluir se mostrarán sus obras pertenecientes a su último período post Gutai, de 1966 a 2004 que efectuó tras abandonar Gutai en 1965. Su obra a partir de entonces se interpreta como una abstracción colorista simplemente ornamental, socavada por su sutil intensidad en el acto de la creación. Se trata de gestos desafiantes realizados en un universo caótico, intencionadamente muy personal. Desde el principio, como manifestó en Calendar, Tanaka insistía en una complicada vivacidad, una enredada tendencia a la fusión. Su uso del color no era optimista a ciegas, sino que transmitía la creencia en la posibilidad de una diferencia positiva hecha a través de acción y plasmada en la pintura.




Premio de Pintura Internacional Guasch Coranty 2012

7 10 2011


BASES

La Fundación Guasch Coranty convoca el Premio de Pintura Internacional 2012, dirigido a todos los artistas profesionales, menores de 40 años, que hayan acabado estudios de Bellas Artes en escuelas superiores, facultades o equivalentes, de cualquier país, sin restricción de residencia o nacionalidad, con el fin de promover la creación, entendida como una actividad abierta a nuevos soportes y técnicas.

PREMIOS
Se otorgará un Primer Premio de 25.000 € y dos Premios de 8.000 cada uno que no podrán dividirse ni declararse desiertos. La adjudicación de los premios es inapelable.

JURADO
El Jurado está formado por artistas y profesionales del mundo del arte, de reconocido prestigio internacional.

REQUISITOS Y SELECCIÓN
Los participantes deberán presentar, en una primera fase, la siguiente documentación:

a) Formulario adjunto a las bases, rellenado y firmado, que se encuentra también en formato PDF en la página de la Fundación: www.guaschcoranty.com

b) Una imagen fotográfica impresa, de aproximadamente 18 x 24 cm, de la obra que concursa, junto con su ficha técnica -título, año, técnica y formato- y una breve descripción e instrucciones de montaje cuando sea necesario. Se pueden presentar archivos en CD o DVD cuando el trabajo lo requiera.

Esta obra tiene que haber estado realizada en los dos últimos años, no puede haber sido premiada o seleccionada en ningún otro concurso y no puede exceder los 200 cm en su longitud máxima.

c) Currículum vitae indicando los datos personales, el centro y el país donde se hayan cursado los estudios de Bellas Artes con fotocopia del título y la trayectoria profesional del artista.

d) Dossier impreso (no digital) con reproducciones de los trabajos de los últimos cuatro años.

De entre los informes presentados, el Jurado seleccionará aquellos artistas que considere más adecuados, evaluando la trayectoria y calidad de la obra en relación a los lenguajes del arte contemporáneo.

La lista de los seleccionados se hará pública en la página web de la Fundación y se notificará individualmente por e-correo.

Una vez notificada la decisión del Jurado, los artistas seleccionados presentarán, en el tiempo indicado, la obra original que se presenta al concurso y que consta en el dossier, recibiendo una ayuda de 500 €.

El envío de la obra, el embalaje, el seguro y el transporte será por cuenta y riesgo de los participantes.

Las obras seleccionadas deberán estar debidamente embaladas y el embalaje deberá ser reutilizable para su retorno.

Entre estas obras el Jurado otorgará los premios, los cuales se darán a conocer en la página web de la Fundación e individualmente, a los artistas premiados, por e-correo.

La Fundación se compromete a organizar una exposición con todas las obras seleccionadas, entregando los premios en el acto de inauguración.

CALENDARIO

Entrega del formulario y del dossier: del 14 al 25 de noviembre de 2011, ambos incluidos.
Selección de los dossiers por el Jurado: enero de 2012.
Notificación a los seleccionados: febrero de 2012
Entrega a la Fundación de la obra seleccionada: del 5 al 16 de marzo de 2012, ambos incluidos.
Notificación de los premios: abril de 2012.

Las solicitudes, la documentación y la obra seleccionada cuando sea preciso, se deberá entregar por correo postal o personalmente, en las fechas previstas, en la sede de la Fundación:

Fundació Guasch Coranty • Pau Gargallo, 4 (2a planta) • E-08028 Barcelona.
Tel. +34 934 034 066 • E-correo: fguasch@ub.edu
Horario: Lunes a jueves, de 10:00 a 12:00 y de 16:00 a 19:00, y viernes de 10:00 a 12:00.                         

DEVOLUCIÓN DE LOS DOSSIERS
Los participantes no seleccionados podrán recoger sus dossiers en la sede de la Fundación durante el mes de febrero de 2012. Pasado este plazo, la Fundación no se hará responsable de la conservación de los mismos.

Los dossiers de los autores de las obras seleccionadas pasarán a formar parte del archivo de la Fundación.

DEVOLUCIÓN DE LAS OBRAS
Clausurada la exposición de las obras seleccionadas, la Fundación gestionará la devolución de las mismas al punto de origen, haciéndose cargo de los gastos de transporte.

La Fundación pondrá el cuidado necesario para preservar la integridad de las obras, pero no se responsabilizará de los daños que puedan derivarse de su manipulación y transporte.

Las obras premiadas quedarán en propiedad de la Fundación.

ACEPTACIÓN DE LAS BASES
Los concursantes, por el hecho de participar en la presente convocatoria, se comprometen a aceptar íntegramente la totalidad de estas bases, así como las decisiones del Jurado.

El Patronato de la Fundación resolverá cualquier duda sobre la interpretación de las bases.

bases: http://www.guaschcoranty.com/PPI12GuaschCor.pdf




Llibres lliures: 10 d’octubre, catàlegs d’art.

6 10 2011

La Biblioteca de la Facultat de Belles Arts torna a posar a l’abast dels usuaris exemplars alliberats, els quals la Biblioteca no pot fer-se càrrec per diversos motius: manca d’espai, donacions, baixes, duplicats, material no adient, etc.

En aquesta ocasió alliberarem  llibres d´art, bàsicament catàlegs  i serà el dilluns 10 d’octubre a les 14’30 h.

Els títols  oferits  són:

La Figura y sus significados.

En cos i ànima. Una dècada d’art emergent.

La mirada interpuesta : Equipo Herrero & Cebrián.

Un jardín de invierno. Texto y diseño, Ángela Sánchez de Vera.

Fuentes 2006.

Carlos Pascual de Lara : donació = donación.

Lipchitz : los yesos en el IVAM.

Richard Tuttle, IVAM.

Eduardo Stupía : Obra reciente.

La transparencia del origen = La transparència de l’origen.

Ciriaco escultor.

Perifèries 2007 : territori GPS versus lloc sense ruta.

Sala X  volumen 4

LLIBRES LLIURES Octubre  2011:

31ª ed.: 17 d’octubre, 9’30 h.: Catàlegs d’art.

32ª ed.: 24 d’octubre, 9’30 h.: Catàlegs d’art.

33ª ed.: 31 d’octubre, 14’30 h.: Miscel·lànea.

 




Exposición de Lluís Hortalà al CDAN

4 10 2011

Lluís Hortalà
Del 1 de octubre 2011 al 29 de enero 2012

Comisario: Alejandro J. Ratia

La experiencia de Lluís Hortalà como alpinista fue breve e intensa. Se desarrolló entre 1975, cuando contaba apenas 16 años, y 1982, cuando participó en una expedición al Everest. A partir de entonces, sus esfuerzos se centraron en la escultura, produciendo un trabajo donde, en apariencia, aquella experiencia juvenil estaba ausente. Sin embargo, el tema alpino emergerá en su trabajo en 1999, en una ciudad tan alejada de las montañas como Londres. Es el momento de sus London Mountains Postcards, donde el paisaje alpino reinventado en cerámica y portátil servía como telón de fondo a iconos urbanos como, por ejemplo, el Tower Bridge.

El retorno de la montaña se manifestó de forma espectacular en otra obra de ese mismo año, All the mountains that I have climbed, una escultura de barro sin cocer, de siete metros de longitud, donde las cumbres a las que el artista había escalado se reproducirán de memoria, en virtud de un recuerdo más táctil que visual. Esta misma experiencia táctil es la que da todo su sentido a la serie de dibujos alpinos, desarrollada entre los años 2000 y 2006. Uno de estos dibujos pertenece a la colección del CDAN.

Desde 1999 hasta ahora, la montaña aparece como tema principal en el trabajo de Hortalà. Un tema que se aborda de diferentes modos. Su propia experiencia como alpinista conduce, por un lado, a la desmitificación de la montaña, que se revela como tramoya o escenario, y que se  presenta también como ilusoria en el acercamiento fenomenológico de sus piezas ópticas. Pero, inevitablemente, la misma montaña, y las montañas concretas, manifiestan ser símbolos potentes, sobre todo en los proyectos referidos a Montserrat y Riglos.

Una perspectiva nueva se abre al considerar el alpinismo como metáfora y, en concreto, como cosa análoga a la práctica artística y, por extensión, a la propia vida. Se asocia a ello el interés de Hortalà por el tratado místico de García Ximénez de Cisneros, abad de Montserrat, que conduce a titular Exercitatorio uno de sus últimos proyectos. Cisneros utiliza, al igual que Hortalà, el símil de la ascensión como vía de conocimiento. Teresa Blanch nos explica qué pudo aprender Hortalà de su experiencia montañera: “que el cuerpo reacciona antes las condiciones extremas con la hipersensibilidad de la mirada; de ello surge una forma radical, no-retiniana de mirar las cosas”.

Hortalà tiende a revisar su obra, y considera el tiempo como un espacio transitable. De modo que ha venido recuperando obras previas a 1999, donde las montañas no aparecían de forma explícita, y las ha hecho dialogar con sus nuevas producciones. Esta confrontación podrá verse en la exposición del CDAN. Por otro lado, sus Topologías de la visión, de 1991, grandes esculturas de pared recubiertas de poliéster y pintadas cuidadosamente, como opacos espejos reflectores, de la mirada, renacen diez años más tarde como soporte de las piezas ópticas, donde las imágenes de las montañas se “dispersan”. El papel pasivo de la vista obtiene el aparente trofeo de lo observado, pero la fragmentación, la multiplicación del paisaje en discos o gajos, devuelve a la experiencia real.

En la experiencia del Hortalà escalador cuentan, de un modo especial, las ascensiones juveniles en Montserrat y en Riglos. Tras una serie de trabajos dedicada al macizo catalán, el artista está trabajando ahora sobre el oscense  y estas obras serán presentadas en el CDAN como primicia. Como en el caso de Montserrat, en los Mallos se unen la mitología colectiva, cargada de leyendas, y la privada. Una espectacular secuencia de dibujos se titula Lógris, que es como llamó el escritor Manuel Derqui a un Macizo de Riglos transfigurado. Hortalà se aproxima hoy a lo geológico con un espíritu análogo a de los surrealistas, buscando respuestas en las rocas. Uno de los dibujos inspirados en Riglos tiene así un título muy significativo, de ascendencia bretoniana: Mineralogía Visionaria.

La propuesta expositiva para el CDAN revisará el tema de la montaña en Hortalà. Será también una crítica de la mirada desde la experiencia de escalador, desde la que el artista retorna como desde el otro lado. Sirve, por otra parte, a un doble propósito, dentro de la política expositiva del centro oscense: por un lado, una nueva aportación al diálogo entre Arte y Naturaleza, y por otro lado, la contextualización de un artista ya presente en su colección.

CDAN. Centro de Arte y Naturaleza
www.cdan.es