Exposició fotogràfica de Kati Horna

1 12 2016

kati-horna




EXIT nº 64: Falso/Fake

30 11 2016

exit-64

¿Falso o  cierto? ¿Verdad o mentira? ¿Arte o fotografía? La breve historia de la fotografía está marcada por hechos puntuales perfectamente documentados que son falsas historias, imágenes que nos mienten acerca de la idea de autenticidad de la fotografía. Documentos construidos que serían totalmente creíbles si no fuera porque son mentiras estrepitosas.

Más allá de la broma, de la provocación, de la ironía, más allá del juego, encontramos la crítica central a esa historia canónica, a la teoría fundacional de que la fotografía es una herramienta que nos ofrece la realidad más allá de toda duda. Todos estos artistas, todos estos personajes más o menos habilidosos, más o menos poéticos, más o menos brillantes, nos están susurrando la única gran verdad del arte, de la vida: no hay ninguna diferencia entre la verdad y la mentira.
Lo que fue pudo no haber sido y sin embargo suceder. Todas nuestras verdades se asientan sobre un cúmulo de mentiras, el engaño es más que una necesidad un arte. No hay nada más parecido a la verdad que una mentira, tan parecidas que no las distinguimos, que las podemos intercambiar. Y, en definitiva las mentiras se han inventado para hacernos entender la verdad.

En EXIT 64 hablamos de la mentira, de todos aquellos artistas que han construido una historia paralela de la verdad a través de su cara oculta. Descubre con nosotros todas las historias tan reales, tan perfectamente documentadas, tan curiosas, tan interesantes, tan divertidas, que no podían ser mas que historias inventadas, sueños, fábulas, en definitiva, mentiras.

Disponible per a consulta a la Biblioteca de la Facultat de Belles Arts




Art i Antropologia: recerca bibliogràfica

24 11 2016

cartell-art-i-antropologia-ok-jpeg

 

 

Después de la exposición “Arte y anarquismo”, La biblioteca sigue trabajando en la difusión de sus fondos y se embarca ahora en un nuevo proyecto: “Arte y antropología”.

La antropología “nos” ha permitido conocer e interpretar lejanas y exóticas culturas –entiéndase el nosotros de la manera más amplia posible-, acercarnos a seres extraños a nuestros ojos, con comportamientos fascinantes, sociedades que ven el mundo de un modo muy distinto al nuestro y que se relacionan entre sí con parámetros que necesitan la lupa del antropólogo para dotarlos de sentido fuera del entorno en el que se gestaron.

El arte que, como la filosofía, tiene uno de sus principales motores en la admiración que le produce el mundo, no podía dejar escapar el suculento manjar ofrecido por los antropólogos, una paleta de colores, formas, mitos, ritos, olores, texturas y carne, mucha carne. El exotismo ha sido y será misterioso y atractivo. Las vanguardias artísticas de principios del siglo XX, asombradas por la “fantasía primitivista”, dieron buena cuenta dejándonos un rastro de obras fundamentales.

Pero no sólo el producto de los estudios antropológicos ha tenido interés para el arte, también sus métodos de aproximación al objeto de estudio, así como el carácter autocrítico desarrollado en el intento de saltar por encima de su sombra etnocéntrica. Esas herramientas, más allá del exotismo, han atraído al artista que quiere reproducir el acercamiento más o menos exitoso a sus propios objetos de interés, ya sea el ser humano, el mundo o cualquier ente metafísico, asomándose fuera y, por supuesto, dentro de la carcasa humana.

Este viaje de ida también tiene billetes de vuelta. La antropología, además de estudiar las mani- festaciones artísticas como parte del entramado cultural, ha descubierto lo reveladora que resulta la autorepresentación frente a ojos coloniales, el diálogo, la provocación y la improvisación a la caza de lo imprevisible, la mirada participativa sin complejos por la subjetividad de la cámara -pensamos por ejemplo en Jean Rouch-. En definitiva, ha descubierto lo productivo de la imagen que le devuelve el espejo de una perspectiva artística.

También hemos reservado un hueco para algunos estudios de los nuevos espacios de simbolización de un mundo globalizado, entretejido por redes de información donde los individuos, más o menos integrados en esas redes, ejecutan sus rituales y donde el arte despliega fogonazos de apertura de mundo.

Cabe destacar la importancia del espacio de confluencia que suponen los lugares de exposición. Los museos con su propia hermenéutica, nunca aséptica, tienen una relevancia incuestionable.

Lejos de nuestra intención está pretender abarcar el tema, nos contentamos con dibujar un somero boceto a base de material bibliográfico si ayuda a adentrarse por estos derroteros con algo más de luz.




EXPOSICIÓ SETMANA INTERNACIONAL

11 11 2016

cartel-exposicion-outside




XIMO BERENGUER. A CHUPAR DEL BOTE, fOTOGRAFIES 1974 – 1976

5 10 2016

ximo-berenguerLa historia de la fotografía sigue deparando sorpresas. Cuando creemos tenerlo todo bien cuadrado surge el archivo de un humilde jardinero (Charles Jones) que demostró su amor a las flores que cultivaba para un lord inglés en magníficas e ignoradas fotografías, o el descubrimiento de una niñera excéntrica (Vivian Maier) que expandió calladamente nuestra noción de street photography. Sin pretender cotejarlo a esos casos célebres, toca ahora recabar el reconocimiento que merece la figura de Ximo Berenguer (1946–1978), prácticamente olvidada desde su temprana desaparición y solo recuperada recientemente merced a azarosas circunstancias.

Joven fotógrafo valenciano que frecuentó los cenáculos amateurs locales de su época, el talento soterrado de Ximo Berenguer empezó a despuntar al instalarse en Barcelona en 1966 a fin de iniciar estudios de fotografía en la Escuela Industrial. Abandonó entonces la estética del salonismo para adoptar un reportaje directo y descarnado. Admirador tanto de Cartier-Bresson y Brassaï, cuya obra descubrió en la biblioteca de la Agrupación Fotográfica de Cataluña, como de algunos heterodoxos surgidos de esa entidad como Miserachs, Maspons o Colom, Berenguer se propuso erigirse en testigo gráfico de la conflictiva efervescencia social que agitaba el país. Sus imágenes pasaron entonces a “rehuir todo sentimentalismo superfluo para atrapar el alma fugaz de la historia”, según palabras de Josep Mª Casademont, director de la revista “Imagen y Sonido” y uno de sus más incondicionales mentores. El grupo AFAL y sobre todo Leopoldo Pomés –cuyo libro Les fenêtresactuó de revulsivo– constituyeron otras referencias claves: tanto fue así que a principios de 1973 el joven Berenguer se armó de valor, reunió un puñado de sus fotografías que consideraba “modernas” y fue a enseñárselas a su ídolo con ánimo de ganarse una plaza en su estudio como aprendiz. Con su primer sueldo se compraría la cámara Pentax SL que utilizó hasta el final de su vida.

En esa época se vinculó a los activos ambientes noctámbulos y contraculturales de la ciudad. Su espíritu contestatario y su condición homosexual le llevaron a congeniar con el grupo de los Ocaña, Nazario, Picarol, Mariscal, los hermanos Farriol y tantos otros protagonistas del underground barcelonés. Berenguer no vivió esa adscripción como una “militancia” sino como una relación de camaradería espontánea al compartir tugurios y marginalidad, que sin duda propulsaría la radicalidad de sus propuestas. El espíritu lumpen y libertario del grupo contrastaría con el glamour burgués de la gauche divine, hegemónica entonces como inteligencia local: sin ningún tipo de amarras, Berenguer y sus amigos solo aspiraban a la supervivencia y a la libertad.

El corpus del legado fotográfico de Berenguer que se ha recuperado es reducido, unos quince mil negativos y trescientos tirajes de época en diferentes formatos. Aquí se presenta una selección del trabajo realizado en el famoso music hall “El Molino” a mitad de los 70’s. En 1975 Berenguer inició una relación con el bailarín cubano Negrito Poli, que había sido contratado como coreógrafo de “El Molino”. Por medio de ese contacto Berenguer pudo realizar una inmersión fotográfica en el universo particular de ese teatro de variedades, gozando de total acceso al local y de la intimidad con sus protagonistas. Casademont le alentó a acometer un reportaje en profundidad que le permitiera presentar una maqueta de libro para la colección “Palabra e Imagen” de Lumen, por la que ya habían transitado Masats, Ontañón, Maspons+Ubiña, Colita, etc.

Las fotografías fueron realizadas mientras la compañía representaba la obra “A chupar del bote” y efectuaba los ensayos del que sería el siguiente espectáculo, “Taxi al Molino”. Como era preceptivo en el teatro de variedades, el espectáculo se componía de una sucesión de números que indefectiblemente hacia desfilar a cantantes folclóricas, ilusionistas, cómicos, bailarinas burlesquestriptease, etc. aunque siempre el plato fuerte lo constituía la interacción entre los actores y el público, que se deleitaban enzarzándose en diálogos picantes. Muchas representaciones satirizaban situaciones de la actualidad y el espectáculo terminaba con el apoteosis de toda la compañía sobre el escenario rindiendo pleitesía a las vedettes ataviadas con sus plumas y trajes de lentejuelas, y todos cantando “A chupar del bote / hasta que se agote / a chupar del bote / es lo mejor…” Una alusión a la corrupción que sigue bien vigente hoy en la letra de esa canción. De hecho, lo que interesaba a Berenguer era que El Molino debía verse, por un lado, como un espejo de la transición política: en los palcos departían empresarios e intelectuales, hombres del régimen y líderes obreros, agentes de paisano y universitarios, y todos ellos se burlaban juntos de esto y de lo otro, como de los males de la burocracia o de la incompetencia de la Administración. Por otro lado, El Molino constituía un refugio de seguridad en el que la vida exterior se concedía una tregua: a menudo mientras la platea estallaba en risas resonaban no muy lejos las consignas coreadas por los manifestantes o las sirenas de los furgones policiales que evidenciaban el cambio que se estaba precipitando.

Las fotografías de Berenguer devienen así rebanadas de vida, retratos de personajes entrañables como Johnson, La Maña, Christa Leem, Piper o Yvette René, salpicados con graffitis políticos reivindicando amnistía y estatuto de autonomía; instantáneas de una alegría contagiosa tamizada de humo y alcohol pero que vislumbran en el horizonte avisos de tragedia. Este proyecto documental es penetrante, intenso, visceral, no sale de los ojos sino de las entrañas. Se podría hablar de las composiciones y del tratamiento de la luz, del sentido de la oportunidad, de la capacidad para describir una atmósfera o captar un clímax… pero por encima de todo la obra de Ximo Berenguer nos remite a  la lucidez de Alfred Stieglitz cuando tuvo que explicar lo obvio y consignar que por encima de todo “cuando hago una fotografía, es como si hiciera el amor”. Por imperativo del destino Berenguer lo hizo en un tiempo breve y lo hizo dos veces bueno.

Rafa Levenfeld

ESPAI VISOR

C/ Carrasquer, 2  46001, Valencia, Spain.
tel: +34 96 392 23 99  móvil: +34 62 888 12 45
www.espaivisor.com    info@espaivisor.com
30 septiembre – 18 noviembre 2016 




Objetos perdidos en Railowsky

28 09 2016

perdidos-railowsky




La ciutat de les dones

21 09 2016

expo-dones




“Lletres de vint-i-una ciutats” de Ricard Huerta

15 09 2016

expo-ricard-huertaEl  Jueves 15 de septiembre, a partir de las 20.30h inauguramos la exposición “Lletres de vint-i-una ciutats” de Ricard Huerta en la galería de espai d’art fotogràfic.
Esta exposición se basa en la selección de 21 fotografías de 21 ciudades del mundo.




EXIT #63 Salvaje / Wild

8 09 2016

EXIT Revista Trimestral de Imagen y Cultura

exit 63

 

#63 Salvaje / Wild

Agosto / Septiembre / Octubre 2016

Pròximament disponible per a consulta a la Biblioteca de Belles Arts – UPV

Salvaje

Salvaje puede ser un animal, un territorio, pero también puede ser una persona. Los jóvenes salvajes, airados, enfadados. En realidad salvaje quiere decir que no ha sido domado, domesticado, si nos referimos a un animal; agreste, inconquistable, no colonizado por la mano del hombre si hablamos de un territorio. Si hablamos de una superficie, de un material, querremos decir que es áspero, puro, no mezclado, como la seda salvaje. Cuando pensamos en algo salvaje, sea animal o territorio, sea forma de ser o de pensar, pensamos en alguien libre, en algo virgen, en paisajes puros, sin autopistas ni coches, en animales que no son esclavizados por el hombre para el uso y el consumo.

En EXIT 63 nos centramos en el paisaje y en los animales, donde la idea de lo salvaje aún permanece intacta. La fotografía, igual que el cine y la literatura, siempre han tratado la idea y el anhelo de esa utopía de lo salvaje. Pero descubrimos que es una construcción cultural, una fantasía, donde la representación y lo representado cada día están más lejos.
Miguel Morey escribe sobre el anhelo de lo salvaje, y entrevistamos a Nick Brandt, el fotógrafo que encarna en su obra esa idea mítica y su actual disolución. El paisaje del desierto, los glaciares, la selva, desde el Cañón del Colorado hasta la humilde madriguera de un pequeño animal aún libre, todo entra en EXIT. Búfalos, buitres, elefantes y tiburones, renos y orangutanes, peces, aves y mamíferos convierten EXIT en una revista salvaje.

Editorial: 
El sentimiento de lo salvaje, Rosa Olivares

Textos:
Miguel Morey, Ana J. Revuelta, Rosa Olivares, Manuel Vilariño, Mireya Masó, Sanna Kanisto, Mark Klett y Byron Wolfe.

Traductores:
Caroline Svensen, Sarah Whalley, Rogelio Sastre y Antonio Bret.

Portfolios:
Nick Brandt, Charlotte Dumas, Amparo Garrido, Simen Johan, Sanna Kannisto, Martin Klimas, Guido Mocafico, Paolo Pellegrin, Beth Moon, Eirik Johnson, Mark Klett, Byron Wolfe, Peter Bialobrzeski, Manuel Vilariño, Mireya Masó, David Burdeny y Balthasar Burkhard.

Artistas:
Nick Brandt, Charlotte Dumas, Amparo Garrido, Simen Johan, Sanna Kannisto, Martin Klimas, Guido Mocafico, Paolo Pellegrin, Beth Moon, Eirik Johnson, Mark Klett, Byron Wolfe, Ansel Adams, Peter Bialobrzeski, Manuel Vilariño, Mireya Masó, David Burdeny, Balthasar Burkhard, Manabu Miyazaki e Hiroshi Sugimoto.




Quien pena, ríe: crónicas del pueblo gitano

17 05 2016

quien pena rie




Photon: Premi Luis Valtueña de Fotografia Humanitària

3 05 2016

photon premi valtueña




Photon: Festival de Fotoperiodisme

3 05 2016

invpresentaciophoton




EXIT #61 Pintores fotógrafos

5 03 2016

Exit 61

EXIT

#61 Pintores fotógrafos

Febrero / Marzo / Abril 2016

Textos: Rosa Olivares, Rocío Robles Tardío, Sergio Rubira y Ana J. Revuelta

Artistas: Umberto Boccioni,
Ellsworth Kelly, Richard Hamilton,  Roberto González Fernández, Rafael Agredano, Chuck Close, Robert Rauschenberg,
Karen Kilimnik, Juan Uslé, Luis Gordillo, Guillermo Mora, Yishai Jusidman, Sol LeWitt, Rufo Criado, Guillermo Pérez Villalta,
Sigmar Polke, David Salle

Editorial:
La invención de la pintura. Rosa Olivares

Textos:
Umberto Boccioni, fotógrafo ambiental. Rocío Robles Tardío
Entrevista a Juan Uslé. Sergio Rubira

Portfolios:
Richard Hamilton, Roberto González Fernández, Rafael Agredano, Robert Rauschenberg, Karen Kilimnik, Juan Uslé, Luis Gordillo, Guillermo Mora, Yishai Jusidman, Sol LeWitt, Rufo Criado, Guillermo Pérez Villalta, Sigmar Polke y David Salle.




Exposicions fotogràfiques: Joan Tosca i Jaime Belda

3 03 2016

expo espai d'art




XXIII JORNADAS DE ESTUDIO DE LA IMAGEN: LA PANTALLA NEGRA O BLANCA: EL PODER DE VER IMÁGENES JUNTOS

29 02 2016

estudio imagen
CONVOCATORIA PARA LA RECEPCIÓN DE PROYECTOS EN TEORÍA Y PRÁCTICA ARTÍSTICA
Fecha límite de recepción de proyectos: 18 de mayo de 2016
Jornadas: 27 jun – 30 jun 2016

Dirigido por Leire Vergara

El cine nos ha regalado numerosas secuencias donde el pensamiento se desprende libremente de la imagen para atravesar la pantalla en busca del espectador. Algunos ejemplos los encontramos en forma de acciones improvisadas como la escena de Marceline en Crónica de un verano de Jean Rouch y Edgar Morin, cuando ésta pasea por la Plaza de la Concordia de París y de forma espontánea comienza a narrar una experiencia vivida con su padre en un campo de concentración nazi; otras las encontramos en formas más abstractas y fortuitas como la escena callejera grabada por Jean-Luc Godard y D.A. Pennebaker para la fallida película 1 AM (One American Movie) donde el poeta Amiri Baraka y un grupo de músicos despliegan sus cuerpos en el espacio público para apropiarse del tiempo fílmico. Esta vía de fuga que se abre de la pantalla hacia las mentes de los espectadores surge de estos momentos informes del cine. Estas conocidas escenas nos pueden servir para pensar la travesía del pensamiento una vez abandona la imagen, es decir, cuando éste se desprende de ella y alcanza al espectador a través de numerosos recursos como la pantalla negra que introduce el corte irracional de Gilles Deleuze entre secuencia y secuencia o la blanca que hace visible el propio dispositivo de proyección.

Estas jornadas tratan de pensar el ensamblaje de imágenes y el espacio para lo común que se abre entre ellas. De igual forma, retoman algunas cuestiones relacionadas con ese afuera del cine, de la fotografía para indagar sobre el poder que reside en ver, estudiar y pensar imágenes juntos. Algunas preguntas surgen en relación a ese momento que se inicia después del cine, de las imágenes, pero por causa de éste, de ellas ¿Cómo debemos ver, estudiar, pensar juntos? ¿Qué metodologías debemos emplear? ¿Qué colectividad es posible en este hacer juntos? ¿Qué tipo de antagonismo se crea desde esa temporalidad compartida?

En esta edición las Jornadas estarán compuestas por: un seminario internacional de artistas y teóricos abierto al público; un forum de investigadores en teoría y práctica artística seleccionados tras una convocatoria de proyectos; y tres talleres de artista.

CONVOCATORIA:
Se abren dos paneles para la presentación de trabajos de investigadores en teoría y práctica artística:

Estéticas comonistas
Proyectos que apelen a la producción de un mundo común que parece residual ante las constantes divisiones a las que está sometido. Prácticas que intenten reactivar una imaginación de lo colectivo.
Antagonismos colectivos
Proyectos que se aproximen a la producción de antagonismos colectivos y nuevas formas de ciudadanía. Prácticas que posibilitan una potencia desregulada y antidisciplinar de pensamiento, performance e incluso vivencia. Una oportunidad de ejercitar un antagonismo colectivo basado en la práctica del «estudio junto a otros» que habilite otras formas de vida más allá de las políticas del endeudamiento imperantes.

Estos proyectos serán presentados en las sesiones críticas que se realizarán en las Jornadas de Estudio de la Imagen.

FECHA DE PRESENTACIÓN

La fecha límite de recepción de proyectos es el 18 de mayo de 2016. Los interesados deberán enviar la documentación solicitada

– Por correo electrónico, descargando el formulario en www.ca2m.org y enviándolo cumplimentado junto al proyecto (pdf) a jei.ca2m@madrid.org

Más información en jei.ca2m@madrid.org  o en el teléfono 91 276 02 27




Expo: El Marroc a través dels ulls dels seus infants

29 01 2016

marroc foto xiquets




Exposició: LILIANA MARESCA

27 01 2016

maresca

LILIANA MARESCA
Inauguración
Viernes 29 de enero 2016 20,00 h

espacio #1 – galería / space #1 – gallery

29 enero 2016 – 15 abril 2016 / 29th January 2016 – 15th April 2016

La obra de Liliana Maresca -que incluye esculturas, objetos, instalaciones, dibujos, pinturas, montajes gráficos- se desarrolló y brilló principalmente durante buena parte del período de la postdictadura argentina, desde mediados de los años ochenta hasta la muerte de la artista, a fines de 1994, víctima del sida.
Maresca se formó en la escuela nacional de cerámica, y en los talleres de Renato Benedetti, con quien estudió pintura; de Miguel Bengochea, con quien estudió dibujo; y de Emilio Renart, donde se formó en escultura. Fue docente en la cátedra “Morfología I” de la carrera de Diseño gráfico de la Universidad de Buenos Aires (UBA) y dirigió sus propios talleres de artes plásticas.




Exposicions fotogràfiques a l’EAF (València)

20 01 2016

teresa invitacion




EXIT#60 Mascarada / Masquerade

5 12 2015

EXIT 60EXIT  
Revista Trimestral de Imagen y Cultura

#60 Mascarada / Masquerade
Noviembre / Diciembre 2015 / Enero 2016

 

Mascarada

Para olvidarse por unos días de la realidad, del papel que cada uno jugamos en esa realidad que se llama vida cotidiana, se inventaron los carnavales, los disfraces, las máscaras. Para poder ser otro, incluso otra, con todas las de la ley. Y por eso los muchachos barbudos y heteros se disfrazan de rubias sexis o de azafatas de líneas aéreas, por eso se tapan la cara con máscaras de otro sexo, de otras razas, de habitantes de otras galaxias, padres de familia y oficinistas que nunca llegan tarde a trabajar. Pero por unas horas, por unos días, todo está permitido y puedes ser algo diferente, otra persona con otros usos y abusos. Es carnaval, cuando acabe volveremos a ser nosotros mismos, los de siempre otra vez. Pero ¿es eso realmente cierto? Porque la máscara a veces se ha convertido en nuestra propia cara, es nuestra piel el disfraz que nos oculta. Dice Gillian Wearing que la máscara nos refleja, lo dice todo de nosotros. Tal vez estamos condenados a no poder escondernos.

Mascarada es una fiesta donde los participantes llevan máscaras y disfraces, eso dicen los diccionarios. Y después añaden que una mascarada es una trampa, un engaño. No se me ocurre una mejor definición para la vida. Una trampa, un engaño, un festín en el que todos vamos disfrazados de otros, en el que todos queremos parecer lo que no somos. Tal vez ni siquiera lo que quisiéramos ser, pero ciertamente otros que no somos totalmente nosotros. El origen de las mascaradas son las fiestas cortesanas italianas del siglo XV y que florecen en toda Europa desde el siglo XVI hasta principios del XVIII, y se llama así por el uso de máscaras muy elaboradas y que tapan los rostros de los participantes. Su deriva popular serán los carnavales y las cabalgatas, las paradas con carrozas y bailes. Música, baile, vestidos y disfraces muy elaborados y carrozas y entornos arquitectónicos, decorados construidos exprofeso para la ocasión, todo un ambiente teatral para construir un espectáculo en torno al disfraz, a la ocultación, a un engaño a plazo fijo.


Editorial:

La vida es un carnaval. Rosa Olivares

Textos:
Estrategias de la mirada. Luis Francisco Pérez
Entrevista con Cabello / Carceller. Semíramis González

Portfolios:
Yinka Shonibare, Cindy Sherman, Irene Andessner, Iké Udé, Guillermo Gómez Peña, Dulce Pinzón, Juan Pablo Echeverri, Charles Fréger, ORLAN, JJ Levine y Lyle Ashton Harris.

Artistas:
Gillian Wearing, Cindy Sherman, David Wojnarowicz, Jürgen Klauke, Yinka Shonibare, Irene Andessner, Iké Udé, Guillermo Gómez Peña, Lourdes Grobet, Dulce Pinzón, Juan Pablo Echeverri, Charles Fréger, ORLAN, Cabello/Carceller, JJ Levine y Lyle Ashton Harris.

Próximo número:
EXIT #61. Pintores fotógrafos
Febrero / Marzo / Abril 2016

 

DISPONIBLE PER A CONSULTA A LA BIBLIOTECA DE LA FACULTAT DE BELLES ARTS

 




Mostra fotogràfica: Històries de VIHda

3 12 2015

expo foto sida

 

Al novembre de 2014 la periodista Pilar Devesa en col·laboració amb el Comitè Ciutadà Antisida de la Comunitat Valenciana proposa un projecte comunicatiu amb el propòsit de generar contingut documental actualitzat, integrador i positiu sobre les persones que conviuen amb el VIH.
Dotat de gran valor terapèutic, el projecte Històries de VIHda descobreix noves línies de representació i, al setembre de 2015, una desena de professionals de la fotografia i les arts visuals se sumen al projecte per interpretar part de les històries. Un additiu que maximitza el potencial expositiu i simbolitza un repte encara major per als entrevistats i entrevistades.

Autora dels reportatges: Pilar Devesa
Fotògrafs: Germán Caballero, García Poveda, Tania Castro, Eva Máñez, Juan Catalán, Susana Marco, Ramón Espacio, David Núñez, Sandra Ullés, Iván Sanchis
Disseny gràfic del projecte (cartell i tipografia): Noelia Vera

Un projecte del Comitè Ciutadà Anti Sida de la CV.
Amb la col·laboració de CALCSICOVA, GILEAD i l’Octubre CCC.

A partir del 3 de desembre a l’Octubre CCC, c/ Sant Ferran, 12, València